duminică, 10 august 2025

Sculpture grecque archaïque

 

Sculpture grecque archaïque (Guide avec images HD)

La statuaire et l'art ont considérablement évolué au cours des siècles de la civilisation grecque. Ce guide d'introduction à la sculpture grecque de la période archaïque (vers 700-500 av. J.-C.)

guide de la sculpture grecque archaïque

 

La Grèce antique est réputée pour ses magnifiques statues, dont le savoir-faire est encore envié par les artistes modernes. Le style des statues grecques n'était pas monolithique, mais plutôt le fruit d'une évolution progressive sur plusieurs siècles, chaque nouvelle génération d'artistes s'appuyant sur les réalisations des générations précédentes. La période archaïque, qui s'étendit de la fin du VIIIe siècle au début du Ve siècle, marqua une étape majeure dans l'évolution de la statuaire.

 

Émergence de la période archaïque

centaure géométrique en bronze humain
Homme et centaure en bronze, attribué à l'atelier géométrique laconien, vers 750 av. J.-C. Source : Metropolitan Museum of Art

 

L' effondrement de l'âge du bronze , survenu vers 1200 avant J.-C., fut une catastrophe pour les civilisations de la Méditerranée orientale. En Grèce, les puissants empires et réseaux commerciaux des Mycéniens et des Minoens furent anéantis, et leur expression artistique, autrefois vibrante, fut délaissée. Au lendemain de cette catastrophe, la Grèce fut en proie à ce qu'on appelle le « Âge sombre », une période qui dura jusqu'aux alentours de 800 avant J.-C., durant laquelle l'alphabétisation fut oubliée, les constructions monumentales interrompues et la société contrainte de repartir à zéro.

 

Le premier style d'art à émerger de cette époque sombre est classé comme la période géométrique, avec un accent sur les statues et sculptures abstraites représentant des humains, des animaux et des créatures mythologiques dans des formes hautement stylisées.

 

Cette époque céda progressivement la place à la période archaïque, qui débuta vers 800 av. J.-C. et dura jusqu'à la fin des guerres médiques en 479 av. J.-C. Elle vit l'émergence de nombreuses innovations importantes qui allaient influencer la culture grecque pendant longtemps. Parmi celles-ci, on peut citer l'essor de la cité-État comme principale organisation politique, les compétitions sportives panhelléniques comme les Jeux olympiques, les débuts de la poésie épique, notamment les œuvres d'Homère, et le retour du commerce international et de la colonisation, stagnants pendant le Moyen Âge. Ces commerçants et colons rencontrèrent de nombreuses autres cultures, notamment au Proche-Orient et en Égypte, qui connurent non seulement la circulation des marchandises, mais aussi des idées, notamment de nouvelles façons de créer de l'art.

 

C'est durant la période archaïque que l'art a commencé son évolution vers les chefs-d'œuvre des époques ultérieures. En utilisant des styles artistiques du Proche-Orient et d'Égypte, les abstractions de la période géométrique ont été remplacées par des représentations beaucoup plus naturelles et réalistes de la forme humaine.

 

Le Kouros

statue de kouros grec
Statue en marbre d'un Kouros (jeune homme), attique, vers 590-580 av. J.-C. Source : Metropolitan Museum of Art

 

La caractéristique la plus marquante de l'art de l'époque archaïque était le développement de statues monumentales. Comme aux époques ultérieures, l'un des principaux sujets de cet art était le corps humain. Empruntant aux statues égyptiennes , ces sculptures se divisaient en deux grands types : les kouros (pluriel kouroi), statues de jeunes hommes nus, et les korè (pluriel Koraï), jeunes femmes entièrement vêtues, bien que des exceptions concernant le port du vêtement existent dans certains cas.

 

L'introduction du Kouros dans l'expression artistique grecque a commencé au VIIe siècle avant J.-C., notamment après l'établissement des contacts et des échanges commerciaux avec l'Égypte. Suivant les tendances égyptiennes et, dans une moindre mesure, les statues mésopotamiennes , les Kouros partagent des caractéristiques similaires. Les sujets sont tous debout, avec des postures rigides. Les épaules et les hanches sont alignées, tournées vers l'avant, sans flexion ni torsion. De même, la tête et le cou sont alignés, et presque tous les Kouros sont orientés droit devant. Les bras sont symétriques, généralement tendus vers le bas, les poings serrés. Les pieds sont généralement joints, bien qu'il arrive qu'un pied soit légèrement en avant de l'autre, les genoux bloquant la jambe en ligne droite.

 

Les Kouroi sont également, pour la plupart, nus, mettant en valeur leur musculature. Les proportions de ces statues sont généralement très fines, avec des muscles bien définis. Cependant, contrairement aux statues des époques ultérieures, leur masse musculaire est limitée, et les physiques impressionnants qui caractériseraient les statues grecques n'étaient pas encore une norme culturelle. Leur silhouette plus légère servait probablement à évoquer la jeunesse, une idée renforcée par l'absence de barbe, signe de maturité et d'âge adulte.

 

Le Koré

statue de Koré acropole
Statue d'une Koré, ou « Coré péplos », attribuée au maître Rampin, vers 530 av. J.-C. Source : Musée de l'Acropole

 

L'équivalent du Kouros était la Koré. Ces jeunes femmes étaient presque toujours représentées entièrement vêtues. Comme les Kouros, les Koré étaient rigides, avec des postures anormalement rigides. Leurs pieds, leurs hanches, leurs épaules et leur tête étaient tous tournés vers l'avant. La différence la plus frappante entre les Kouros et les Koré résidait dans les vêtements portés par les personnages et dans le souci du détail apporté lors de la sculpture.

 

Les Koré sont vêtus de vêtements appelés péplos , ou chiton, des morceaux de tissu rectangulaires drapés sur les épaules et maintenus par une ceinture. Dans les premiers Koré, la silhouette féminine était dissimulée par le vêtement, la plupart des détails étant rendus par des rainures taillées dans la pierre, représentant des plis. Dans les versions ultérieures, le Koré est plus naturaliste, laissant apparaître des caractéristiques anatomiques telles que la forme des hanches, des fesses ou des seins. La chevelure des Koré a également évolué au fil des siècles. À l'origine, elle formait une masse unique sculptée sur la tête de la statue. Au fil du temps, l'accent a été mis sur les détails, avec des tresses individuelles pouvant descendre jusqu'aux épaules.

 

Cependant, contrairement à la version masculine, qui mettait en valeur la beauté naturelle du sujet, les statues féminines dégageaient une pudeur réservée, qui suggère fortement les rôles de genre stricts de la société grecque. Une autre différence entre la Koré et le Kouros réside dans la position des mains. De nombreuses Koré avaient les mains le long du corps, bien que beaucoup soient représentées avec un ou plusieurs bras levés devant la statue, probablement en position de dépôt d'offrande religieuse.

 

Significations symboliques

sourire archaïque porteur de veau
Moschophoros ou « Porteur de veau », attribué à l'atelier attique, vers 570 av. J.-C. Source : Musée de l'Acropole

 

Les Kouroi et les Koraï partageaient un trait qui est peut-être l'élément le plus emblématique de toutes les statues grecques archaïques : ce que les historiens et archéologues modernes ont surnommé le « sourire archaïque ». Le sourire archaïque est une expression faciale qui montre des lèvres retroussées sur un visage par ailleurs impassible. C'est de loin l'expression faciale la plus courante sur les statues de l'époque. La fonction du sourire archaïque est inconnue. On a émis l'hypothèse qu'il pouvait symboliser la vitalité et la santé, dénoter le statut aristocratique de la personne représentée, ou avoir une autre signification symbolique perdue dans le temps.

 

On ne sait pas exactement qui ces statues représentaient ni pourquoi elles ont été créées. Elles s'inspiraient des statues égyptiennes, qui représentaient des dieux ou d'autres figures religieuses. Leurs homologues grecques avaient probablement des fonctions plus complexes. Certains indices suggèrent une signification religieuse pour les Kouroï. De nombreux spécialistes pensent qu'elles pourraient représenter un dieu particulier, probablement Apollon. Il est probable que les Koraï aient également été créés avec une intention religieuse en raison de la position de leur tête, qui pourrait indiquer une offrande religieuse ou une action de grâce pour une bénédiction divine. Elles pourraient représenter des jeunes femmes au service d'une divinité.

 

Il est également possible que la fonction des Kouroi n'ait pas été de nature divine. Il s'agissait peut-être de statues représentant des athlètes ou d'autres personnalités d'une communauté, dont les exploits devaient être commémorés. Il est également possible que leur conception ou leur création n'aient eu aucune signification directe. Il s'agissait peut-être simplement de représentations de quelque chose de beau pour lui-même, sans signification particulière, marquant ainsi le début de l'esthétique artistique. Malheureusement, la raison exacte s'est perdue au fil des siècles.

 

À quoi ressemblait la sculpture archaïque ?

statue de Kouros Kroisos
Statue du kouros Kroisos, 530 av. J.-C. Source : Musée archéologique national d'Athènes

 

Les statues grecques de la période archaïque étaient principalement réalisées en marbre ou en calcaire. Elles pouvaient être massives, certaines mesurant plus de trois mètres de haut, tandis que d'autres, plus réalistes, atteignaient un mètre cinquante à un mètre quatre-vingt. Outre la difficulté de leur sculpture, leur poids considérable les rendait difficiles à transporter. Elles étaient donc un signe de statut économique, et on les retrouvait dans les demeures des plus riches, dans les temples ou les cimetières, lieux d'une importance capitale pour la communauté.

 

La plupart des statues d'aujourd'hui sont en pierre nue et de couleur blanche ou beige clair. Ce n'était pas le cas à l'époque. Une fois la sculpture terminée, la statue était peinte . De nombreuses statues de l'époque archaïque et d'autres époques ont été découvertes avec des vestiges de peinture encore présents à la surface, bien que la plupart se soient effacées au fil des siècles. Des conjectures subsistent quant à l'aspect des statues peintes : certains spécialistes privilégient des teintes plus sobres, tandis que d'autres pensent qu'elles étaient peintes de couleurs vives, presque criardes pour le public moderne. Malheureusement, la vérité, comme de nombreux aspects de cette époque, a été perdue dans l'histoire. Puisque les statues étaient peintes, la qualité et la couleur de la pierre n'étaient pas une priorité absolue.

 

statue de Koré de Chios
Statue d'une Koré, la Koré de Chios, accompagnée d'une interprétation moderne de la coloration, attribuée à l'atelier attique, vers 510 av. J.-C. Source : Musée de l'Acropole

 

Outre la peinture, il est fort probable que les statues étaient décorées. Un exemple de Koré, découvert à l'Acropole et daté d'environ 530 av. J.-C., présente des empreintes sur les épaules. Ces empreintes correspondent aux broches qui maintenaient un péplos, ce qui indique la présence de véritables broches métalliques. Elles pouvaient également être ornées de bijoux, de couronnes et d'autres ornements pour embellir la statue. D'autres éléments ont pu être incorporés au motif, comme une main tendue tenant une offrande.

 

Au fil du temps, les artistes grecs ont accordé une importance croissante aux proportions et au dynamisme. Ils ont réussi à rendre les statues plus réalistes, et les poses rigides sont devenues plus souples, montrant des membres fléchis, des postures plus naturelles et un positionnement qui transmettait une impression de mouvement et de dynamisme. Les Kouroi et les Koraï allaient évoluer vers les statues beaucoup plus fluides de l'époque classique.

Robert De Graaff

Robert De Graaff

Master en histoire

Robert est un passionné d'histoire, spécialisé dans l'histoire militaire et s'intéresse à de nombreux autres sujets du passé. Il est également scénariste pour une chaîne YouTube populaire consacrée à l'histoire.

miercuri, 24 aprilie 2024

La civilisation sumérienne

 

GreekReporter.comHistoireLa civilisation sumérienne et ses avancées extraordinaires

La civilisation sumérienne et ses avancées extraordinaires

Civilisation sumérienne
Soulagement de la civilisation sumérienne. Crédit : Jackatndy000 Wikimedia Commons CC BY-SA 4.0

La civilisation sumérienne semble avoir été établie dans le sud de la Mésopotamie vers 4 000 avant JC, tandis que certains historiens la situent à 5 000 avant JC.

Établie dans le Croissant fertile entre l'Euphrate et le Tigre dans l'Irak actuel , Sumer fut la première civilisation urbaine de la région. Dès leur plus jeune âge, ils avaient développé des compétences en matière d'agriculture et d'élevage de bétail. Ils tissaient également des textiles et étaient des charpentiers et des potiers qualifiés. Plus important encore, on attribue aux Sumériens l’invention de la roue vers 2 500 avant JC.

Les Mésopotamiens sont connus pour avoir développé l'une des premières écritures écrites vers 3000 avant JC sous la forme de marques en forme de coin pressées sur des tablettes d'argile. Cette écriture cunéiforme a également été adaptée et utilisée pendant environ deux mille ans par les peuples environnants.

L'une des premières grandes œuvres littéraires au monde, L'Épopée de Gilgamesh , a été écrite en cunéiforme. Cette forme d'écriture était utilisée pour les ventes et les achats, la correspondance et le partage d'histoires.

Les Sumériens avaient développé une marine marchande pour importer et exporter des marchandises, voyageant dans le golfe Persique et établissant des échanges commerciaux et culturels avec d'autres peuples, comme les Harappéens du nord de l'Inde. Ils fabriquaient et échangeaient des textiles, des articles en cuir et des bijoux contre des pierres semi-précieuses, du cuivre, des perles et de l'ivoire des Howardans.

Ils étaient polythéistes et nombre de leurs divinités avaient des formes anthropomorphes, un peu comme les dieux vénérés par les anciens Grecs. Leurs temples dédiés ont été construits au sommet d'imposantes ziggourats situées au centre de la plupart des villes sumériennes. Comme les pyramides d’Égypte, la construction de ces structures aurait nécessité des milliers de personnes et de nombreuses années.

L'avènement de Sumer : berceau de la civilisation DOCUMENTAIRE

Villes sumériennes

Sumer n’était pas un pays au sens moderne du terme. C’était une combinaison de diverses cités-États qui étaient souvent en guerre les unes contre les autres. C'est pourquoi ils étaient entourés de murs et les villages étaient répartis autour d'eux. Les Sumériens furent les premiers à établir une ville en termes de structure et d'organisation urbaines. Ils disposaient d'écoles afin de transmettre leurs connaissances aux enfants et furent les premiers peuples documentés à disposer d'établissements d'apprentissage. De plus, ils ont inventé le sceau-cylindre, un sceau d’identification personnel pour les citoyens.

La sumérienne Uruk est considérée par certains historiens comme la première ville au monde, avec une population allant de 40 000 à 80 000 habitants vers 2800 avant JC. Cependant, les Sumériens eux-mêmes croyaient que la première ville était Eridu, fondée par Enki, le dieu de la sagesse et de l'eau. On dit qu'Enki l'a élevé dans les marais aquatiques et a établi le concept de royauté et d'ordre dans le pays.

Enki élevant Eridu des marais aquatiques fait référence à la Genèse d'Eridu , un manuscrit datant de 2 300 avant JC qui a été trouvé dans les ruines d'Eridu. C'est une histoire qui ressemble à celle de l'Arche de Noé . Ici, le mortel est Ziusudra, qui est le seul homme sauvé du grand déluge lorsqu'Enki lui dit de construire une arche et de sauver deux animaux de chaque espèce. Ensuite, les dieux cèdent et décident de contrôler la population humaine ennuyeuse en introduisant la mort et la maladie dans le monde. Ils ont ainsi rétabli l’ordre et fixé une limite à la vie et à l’ambition humaines. La tablette XI de L’Épopée de Gilgamesh  raconte exactement la même histoire quelques siècles plus tard.

Pour les Sumériens, l’ordre était crucial et le devoir des citoyens était d’essayer de maintenir l’ordre tout au long de leur vie. C'était la principale obligation des citoyens. Les dieux eux-mêmes, cependant, ramèneraient le monde au chaos lorsque le bruit et les ennuis de l’humanité deviendraient trop grands à supporter.

De plus, l'attribution à Enki du titre de dieu de la sagesse est une indication de l'avancée de la civilisation sumérienne en 3000 avant JC.

Les premières villes établies à Sumer autres qu'Uruk étaient : Eridu, Ur, Larsa, Isin, Adab, Kullah, Nippur et Kish. Comme dans la plupart des villes anciennes, le complexe principal du temple se trouvait au centre, marqué par les hautes ziggourats, qui auraient inspiré l'histoire de la tour de Babel. Chaque ville était dédiée à un dieu qui vivait dans le temple pour protéger les citoyens.

L'histoire complète et concise des Sumériens et de la Mésopotamie de l'âge du bronze ancien (7000-2000 avant JC)

Avancées scientifiques sumériennes

En plus d’inventer la roue, les Sumériens faisaient preuve de connaissances scientifiques avancées. Ils étaient compétents en mathématiques, comme le montre leur architecture et leur ingénierie complexes. Ils possédaient également des connaissances avancées en génie hydraulique. Comme en témoigne leur réseau de canaux, ils avaient inventé un système de fossés pour contrôler les inondations et on leur attribue le premier système d'irrigation avancé, utilisant la puissance du Tigre et de l'Euphrate.

Leur système de médecine était basé sur la magie et l’herboristerie, mais ils connaissaient également l’extraction de parties de substances naturelles. Les instruments chirurgicaux trouvés dans les sites archéologiques indiquent qu’ils pratiquaient des opérations chirurgicales, ce qui signifie qu’ils avaient une connaissance avancée de l’anatomie.

Une réalisation fascinante des Sumériens était leur structure de chronométrage. Ils ont inventé le système sexagésimal (base 60) et ont d'abord divisé les mouvements du ciel en intervalles dénombrables, trouvant que 60 était le nombre parfait. Le nombre 60 peut être divisé en 1, 2, 3, 4, 5, 6, 10, 12, 15, 20 et 30 parties égales.

Les astronomes de l’Antiquité croyaient qu’il y avait 360 jours dans une année, un nombre dans lequel 60 correspondait parfaitement à six fois. Les astronomes et mathématiciens sumériens furent les premiers à diviser systématiquement le passage du temps. Leur travail a été largement accepté et répandu dans toute l’Eurasie.

marți, 23 ianuarie 2024

musées d’art de Rome

 

Quels musées d’art de Rome sont les plus remarquables ?

Rome est le berceau de l'art sous toutes ses formes. Cet article est un guide de certains des plus beaux musées et galeries d'art de la ville.

22 janvier 2024 • Par Polina Grmanova MA Relations internationales
musées d'art à Rome

 

La Ville éternelle a toujours été un chef de file dans de nombreuses formes d'art différentes, notamment la peinture, la sculpture et l'architecture de la Haute Renaissance. Aujourd'hui, Rome possède certains des musées et galeries les plus magnifiques du monde entier, dont beaucoup dévoilent des événements historiques et culturels fondamentaux à travers l'exposition d'œuvres d'art et d'objets de renommée mondiale. Voici quelques-uns des meilleurs.

 

Les musées du Vatican

Cité du Vatican.  Source : Arnold Straub
Cité du Vatican. Source : Arnold Straub

 

Bien qu'il s'agisse techniquement d'un autre pays européen, la Cité du Vatican est une zone enclavée au sein de Rome, connue comme la résidence officielle du Pape. Voyager à Rome et éviter les musées du Vatican serait vraiment dommage, car ils abritent des collections d'art de renommée mondiale constituées par l'Église catholique au fil des siècles. Les musées, fondés au XVIe siècle avec une seule sculpture, sont l'un des plus visités au monde. 

 

Il est préférable de planifier soigneusement votre visite et d’obtenir vos billets à l’avance. Avec plus de 50 galeries à explorer, l'une des plus connues est la Chapelle Sixtine . La salle contient de précieuses fresques créées par Michel-Ange entre 1508 et 1512. Ses peintures sur le mur de l'autel et le plafond représentent des représentations vitales, désormais emblématiques, de scènes bibliques, notamment La Création d'Adam et Le Jugement dernier . Un autre point fort des musées du Vatican sont les quatre salles de Raphaël, avec des fresques du célèbre peintre de la Renaissance italienne, Raphaël, et de ses assistants. Les visiteurs peuvent également profiter de la superbe Scuola di Ateni, l'une des fresques les plus extraordinaires de tous les temps. 

 

Source : Musées du Vatican par Paweesit
Source : Musées du Vatican par Paweesit

L'une des galeries les plus étonnantes des musées du Vatican est la Galerie des Cartes, une longue salle de fresques d'Ignazio Danti. Ces fresques sont de magnifiques cartes peintes représentant tous les coins de l'Italie du XVIe siècle. D'autres sites remarquables incluent les appartements Borgia, la galerie d'art de la Pinacothèque, la salle ronde, la galerie lapidaire et bien d'autres. Il est presque impossible de voir tous les chefs-d'œuvre en une seule visite, il est donc préférable de prioriser les œuvres à découvrir à chaque visite. 

 

La Galerie Borghèse

Source : Galerie Borghèse par Sailko
Source : Galerie Borghèse par Sailko

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L'une des galeries d'art privées les plus connues au monde est la Galleria Borghese. Le bâtiment abritant la Galerie est la fascinante Villa Borghese Pinciana du XVIIe siècle, entourée de magnifiques jardins et du troisième plus grand parc de Rome. La galerie présente des peintures, des sculptures et des objets collectionnés par le cardinal Scipione Borghese, neveu du pape Paul V. Dans ses vingt salles, les invités peuvent admirer des peintures et des sculptures d'artistes tels que le Caravage , Raphaël, Titien, le Bernin et Canova. Dans les environs de la Villa se trouvent des institutions bien connues comme le Musée national étrusque de Rome et la Galerie nationale d'art moderne et contemporain. 

 

Les musées du Capitole

Source : Musées Capitolins par Diego Delso
Source : Musées Capitolins par Diego Delso

 

Les musées du Capitole, construits en 1471 grâce à une donation du pape Sixte IV, sont les plus anciens musées publics du monde. Ce qui a commencé comme une petite collection de statues en bronze précieux est aujourd'hui l'une des plus belles collections d'art roman. Le complexe muséal se compose de deux bâtiments, le Palazzo dei Conservatori et le Palazzo Nuovo, situés sur la place prévue par Michel-Ange. Il existe un couloir reliant les bâtiments appelé Galleria Lapidaria (à ne pas confondre avec la Galerie Lapidaire des Musées du Vatican).

 

Dans les musées du Capitole se trouvent des statues et des sculptures de renommée mondiale, notamment le loup du Capitole, le Discobole, le Gaulois mourant et d'autres. L'un des points forts du musée sont les statues de Marc Aurèle et de l'empereur Constantin. En outre, la collection abrite des œuvres d'artistes renommés Van Dyck, Rubens, Caravage, Tintoret et bien d'autres encore. Les objets exposés font du musée un incontournable pour les passionnés d’art et d’histoire. 

 

MAXXI

Source : MAXXI de Francesco Di Capua
Source : MAXXI de Francesco Di Capua

 

Dans le quartier Flaminio de Rome se trouve le MAXXI, un grand musée national dédié aux arts et à l'architecture du 21e siècle. Conçu par la célèbre Zaha Hadid, le musée a ouvert ses portes au public en 2010. Les expositions multimédias offrent l'occasion de se plonger dans l'art et l'architecture contemporaines de manière ludique et engageante. La collection présente des œuvres d'origine internationale et italienne. Bien que le musée abrite plus de 300 objets d'art, la collection reste axée sur l'architecture. Visiter le MAXXI est une excellente occasion de découvrir et d'apprécier les œuvres de Carlo Scarpa, Paolo Soleri, Alighiero Boetti, William Kentridge et bien d'autres. Le bâtiment du MAXXI est en effet multifonctionnel, puisqu'il accueille régulièrement des performances, des conférences, des ateliers et de nombreuses expositions temporaires. 

 

La Galerie Nationale d'Art Moderne et Contemporain

Source : Galerie nationale d'art moderne et contemporain par Fred Romero
Source : Galerie nationale d'art moderne et contemporain par Fred Romero

 

La Galerie nationale d'art moderne et contemporain est l'un des musées d'art les plus complets de Rome. Sa collection comprend environ 20 000 œuvres d'art, des peintures aux sculptures en passant par les photographies et les pièces de design. La visite de la Galerie est l'occasion idéale de s'adonner aux différents mouvements artistiques des 19e, 20e et 21e siècles, en un seul endroit. Le musée a ouvert ses portes en 1883 dans un bâtiment différent, et non l'actuel Palazzo delle Belle Arti. Le palais est suffisamment spacieux pour accueillir la collection du musée, favorisant ainsi l'appréciation d'artistes italiens et étrangers de renom. Certains des noms artistiques les plus connus exposés incluent Paul Cézanne, Claude Monet , Giacomo Balla, Van Gogh, Marcel Duchamp et Jackson Pollock. 

 

La Galerie Doria Pamphilj

Source : La Galerie Doria Pamphilj par Sailko
Source : La Galerie Doria Pamphilj par Sailko

 

Non loin du Panthéon se trouve le Palazzo Doria Pamphilj, datant du XVIe siècle, qui abrite la plus vaste collection d'art privée de Rome. Le musée et la résidence appartiennent à la famille Doria Pamphilj. Le palais est un chef-d'œuvre, avec de superbes fresques et des sculptures complexes. En plus de l'art, les visiteurs peuvent voir une petite chapelle et avoir un aperçu de quelques salles privées, dont la chambre de la princesse Doria. L'histoire de la famille est également captivante et bien racontée dans l'audioguide disponible au musée. Leur collection comprend des œuvres du Corrège, du Caravage, du Titien, de Raphaël et du Bernin. Un tableau en particulier, le Portrait du pape Innocent X par Velazquez , constitue le point culminant de la galerie, installée dans sa propre salle séparée.

 

La Galerie Spada

Source : La Galleria Spada de Sailko
Source : La Galleria Spada de Sailko

 

Pour éviter les foules et profiter d'une petite mais extraordinaire collection d'art, cela vaut la peine de visiter la galerie Spada. Le Palazzo Spada, également connu sous le nom de Palazzo Capodiferro , est l'un des plus beaux palais Renaissance de Rome du XVIe siècle. Il possède une belle façade richement décorée. Bien que la collection de la galerie soit de taille modeste, elle comprend de précieuses peintures, sculptures et meubles baroques répartis dans quatre salles. La plupart des pièces proviennent de la collection privée des cardinaux Bernardino et de leur petit-neveu, Fabrizio Spada. 

 

De nombreux artistes renommés sont présentés dans la galerie, notamment Domenichino, Bernini, Parmigianino, Titian et Bartolomeo Passerotti. Cependant, la plupart des visiteurs viennent pour la spectaculaire colonnade illusionniste de Francesco Borromini. Il a utilisé la technique de la perspective forcée pour faire paraître la colonnade beaucoup plus longue qu'en réalité. Ce chef-d'œuvre était une merveille lors de sa création en 1653, et c'est encore aujourd'hui une œuvre d'art exceptionnelle qui mérite une visite.